Эстетика движения. Прерафаэлиты

В Европе начало XIX века ознаменовалось обретением промышленной революцией всеобъемлющих масштабов. Произошёл переход от ручного труда к машинному, трансформация общества в индустриальное, быстрый процесс урбанизации. Все эти явления сопровождались стремительным экономическим ростом и увеличением уровня жизни.

Наравне с позитивными переменами произошли и негативные метаморфозы. В частности, отрицательное влияние остро ощутило на себе декоративно-прикладное искусство. Самобытное творчество ремесленников сменилось массовым ширпотребом в обиходе европейцев. Как противостояние безликим вещам, которые наполняют повседневную жизнь и быт, зарождается движение «Искусств и ремёсел».

Зарождение и идеология движения «Искусств и ремёсел»

Абсолютное признание превосходства изделий ручного труда над продуктом фабричной машинной штамповки и ложится в основу движения «Искусств и ремёсел». Оно берёт своё начало с небольшого сообщества единомышленников. Концепция зародившегося художественного течения базируется на создании эстетического окружения в быту и жизни человека. В связи с этим его целью становится возрождение декоративно-прикладного искусства. В рамках движения «Искусств и ремёсел» формируются отдельные ремесленнические цеха и гильдии практически по всей Европе.

Опорой для художественного течения служат традиции средневекового ремесленничества, самобытное творчество мастеров того периода. Движение получает отражение в предметах всех областей декоративно-прикладного искусства. Его участники-художники создают уникальные обои и мебель, авторские изделия в сфере ткачества и гобеленоплетения, витражного и керамического декора. Предпочтение отдаётся природным мотивам, лаконичным формам и чистоте цветов.

Дубовый зал с изразцовым камином по проекту Уильяма Морриса, особняк Уайтуик Мэнор, Англия

Реальные черты идеология обретает в лондонском особняке под названием «Красный дом». Сама постройка и вся обстановка дома выполнены сообразно принципам художественного течения, направленным на слияние повседневной жизни с высоким искусством. Красный дом принадлежал основателю движения «Искусств и ремёсел», английскому писателю, художнику, дизайнеру, политику и философу, Уильяму Моррису и предназначался для его семьи и фирмы по производству предметов декоративно-прикладного искусства.

Интерьер зала в Красном доме с мебелью, обоями и керамической плиткой ручной работы , Лондон

Витражное стекло в Красном доме, Лондон

Уильям Морис как идейный вдохновитель движения «Искусств и ремёсел» и творец

Творческое развитие Морриса-мастера начинается с обучения архитектуре у Джорджа Эдмунда Стрита, имевшего весьма громкое имя в этой области в этот период. Но живопись поглощает художника и вскоре становится основным проявлением его творческого потенциала. На путь к искусству Уильяма Морриса направило знакомство с работами прерафаэлитов. Восхищение направлением, отрицавшим условности и академизм английской поэзии и живописи, зародило особый взгляд Уильяма Морриса на эстетику и художественность.

Уильям Моррис встаёт на путь возрождения гармонии природы, человека и искусства, опираясь на философские трактаты Джона Рёскина. Утверждение искусствоведа, что окружающие общество предметы свидетельствуют о его моральном состоянии, подвигло Морриса излечить «покалеченное» в этом плане промышленной революцией поколение. Инструментом для этого могло служить, по его мнению, лишь ремесленничество, которое наполняло бытовую среду прекрасными предметами ручной работы. Поэтому живопись художника переносится с холстов в интерьер: на керамику, ткани, дерево, металл и другие материалы.

Керамическая плитка с росписью по эскизам Уильяма Морриса, 1875 г.

Уильям Моррис возводил в высокий ранг творца совокупный образ технолога, конструктора и художника, коим сам на самом деле и являлся. Уильям Моррис становится первым в современном понятии дизайнером в Англии. Мастер прорисовывает эскизы принтов, черпая вдохновение в природе, переносит орнаменты на обои, гобелены, мебель, керамическую плитку, витражи и даже книги, объединяя всё в целостные интерьеры. Для создания своих творений Уильям Моррис тесно сотрудничает с Филиппом Спикменом Уэббом, Данте Габриэлем Россетти, Элизабет Элеонор Сиддал, Эдвардом Бёрн-Джонсом и другими художниками и архитекторами того времени.

Гостиная работы Уильяма Морриса, дом Томаса Карлайла, Лондон

Для изготовления предметов интерьера и отделки в 1861 году Уильям Моррис основывает фирму «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко». Почти на протяжении века предприятие сохраняет статус ведущей мануфактуры Европы в сфере декоративно-прикладного искусства. Ручной труд, природные материалы, естественность композиции становятся тремя китами, на которых держится производственный процесс фирмы. К тому же фирма выполняет роль своеобразной школы для художников и ремесленников. Это способствует распространению идей движения «Искусств и ремёсел» и созданию новых творческих объединений под руководством последователей Морриса, в том числе и в других странах.

Влияние движения «Искусств и ремёсел» на искусство керамики

К этому времени керамика в Европе испытывает упадничество. Взошедший на пьедестал фарфор практически полностью поглотил древнейшие технологии создания изделий из глины. Декоративная керамическая облицовка уходит в небытие, а уникальные предмета быта ручной работы сменяются безликой штамповкой фарфора и фаянса. На один лад изделия получают красочный декор, расставшись с высоко ценимой ранее белизной и хрупкостью. Теряется глубокая связь и гармония материала и формы, сущности и художественного образа.

Уильям Моррис и движение «Искусств и ремёсел» возрождает ценность керамики ручной работы. Природный материал соответствует всем требованиям творческого течения и обретает вторую жизнь в своём самом высокохудожественном воплощении в английских домах. В интерьерах художника и дизайнера вновь появляются изразцы на каминах и в отделке, керамический декор и посуда ручной росписи. Большую часть декоративной керамики для проектов Уильяма Морриса выполняет Уильям Френд де Морган .

Керамический декор и вазы в интерьере работы Уильяма Морриса

Несомненно, предметы ручной работы имели высокую стоимость, поэтому такая роскошь была доступна далеко не всем. В связи с этим идея создания эстетически продуманной среды обитания для каждого человека противоречила взглядам самого Уильяма Морриса как социалиста. Но несмотря на это, небольшое сообщество художников переросло в движение «Искусств и ремёсел», которое получило распространение не только в Англии, но и практически по всей Европе и в США.

Движение «Искусств и ремёсел» в первую очередь подарило миру теорию о тесной взаимосвязи эстетических стандартов и морального состояния общества. Предметы быта ручной работы и сегодня занимают важное место в оформлении интерьера и высоко ценятся своей индивидуальностью и неповторимостью. Движение «Искусств и ремёсел» стало мощным толчком для зарождения стиля Модерн и послужило основой формирования принципов дизайна. Кроме того, течение способствовало возрождению национальных стилей благодаря повышению престижа и утверждению высокого статуса ремесленничества.

Дальнейшее развитие прерафаэлитизма

В 1856 году Россетти встречается с Уильямом Моррисом и Эдвардом Бёрн-Джонсом. Бёрн-Джонс был восхищен картиной Россетти «Первая годовщина смерти Беатриче» (англ. The First Anniversary of the Death of Beatrice), и впоследствии они с Моррисом напросились к нему в ученики. Бёрн-Джонс проводил целые дни в студии Россетти, а Моррис присоединялся в выходные.

Д. Г. Россетти - Первая годовщина смерти Беатриче, 1853

Так начинается новый этап в развитии движения прерафаэлитов, основной идеей которого становится эстетизм, стилизация форм, эротизм, культ красоты и художественного гения.] Все эти черты присущи творчеству Россетти, который поначалу был лидером движения. Как писал впоследствии художник Вэл Принсеп (англ. Val Princep), Россетти «был планетой, вокруг которой мы вращались. Мы копировали даже его манеру разговора». Однако здоровье Россетти (в том числе психическое) все ухудшается, и постепенно лидерство подхватывает Эдвард Бёрн-Джонс, чьи работы выполнены в стиле ранних прерафаэлитов. Он стал необычайно популярен и оказал большое влияние на таких живописцев, как Уильям Уотерхаус, Баям Шоу, Кадоган Купер, его влияние заметно также в работах Обри Бердсли и других художников-иллюстраторов 1890-х годов. В 1889 году на Всемирной выставке в Париже он получил Орден Почетного легиона за картину «Король Кофетуа и нищенка».

Эдвард Бёрн-Джонс - Король Кофетуа и нищенка, 1884

Среди поздних прерафаэлитов также можно выделить таких живописцев, как Симеон Соломон (англ. Simeon Solomon) и Эвелин де Морган (Evelyn de Morgan), а также иллюстраторов Генри Форда (Henry Justice Ford) и Эвелин Пол (Evelyn Paul).

Генри Форд - Мачеха, превращающая братьев в лебедей, 1894

Эвелин Пол - Божественная комедия

«Искусства и ремёсла»

Прерафаэлитизм в это время проникает во все аспекты жизни: мебель, декоративное искусство, архитектуру, убранство интерьера, дизайн книг, иллюстрации.

Уильям Моррис считается одной из наиболее влиятельных фигур в истории декоративного искусства XIX века. Он основал движение «Arts and Crafts Movement» (англ. «Искусства и ремёсла»), главной идеей которого было возвращение к ручному мастерству как к идеалу прикладного искусства, а также возведение в ранг полноправных искусств книгопечатания, словолитья, гравюры. Это движение, которое подхватили Уолтер Крейн, Макинтош, Нельсон Доусон, Эдвин Лаченс, Райт и другие, впоследствии проявилось в английской и американской архитектуре, дизайне интерьеров, ландшафтном дизайне.

Поэзия

Большинство прерафаэлитов занимались поэзией, но, по мнению многих критиков, она имеет ценность именно поздний период развития прерафаэлитизма. Данте Габриэль Россетти, его сестра Кристина Россетти, Джордж Мередит, Уильям Моррис и Алджернон Суинберн оставили значимый след в английской литературе, но наибольший вклад внес Россетти, захваченный стихоторениями итальянского Возрождения и особенно произведениями Данте. Главным лирическим достижением Россетти считается цикл сонетов «Дом Жизни» (The House of Life). Кристина Россетти также была известной поэтессой. Поэзией занималась и возлюбленная Россетти, Элизабет Сиддал, чьи произведения остались неизданными при жизни. Уильям Моррис был не только признанным мастером витражей, но и вел активную литературную деятельность, в том числе написал много стихов. Его первый сборник «Защита Гвиневры и другие стихотворения» был опубликован в 1858 году, когда автору было 24 года.

Под влиянием поэзии прерафаэлитов развизвалось британское декадентство 1880-х годов: Эрнст Доусон, Лионель Джонсон, Майкл Филд, Оскар Уайльд. Романтическая тоска по Средневековью нашла отражение в раннем творчестве Йейтса.

Уильям Йейтс - Тот, кто мечтал о волшебной стране (1893)

Он медлил на базаре в Дромахере,
Считал себя в чужой стране родным,
Мечтал любить, пока земля за ним
Не запахнула каменные двери;
Но кто-то груду рыб невдалеке,
Как серебро, рассыпал на прилавке,
И те, задрав холодные головки,
Запели о нездешнем островке,
Где люди над расшитою волною
Под тканой сенью неподвижных крон
Любовью укрощают бег времен.
И он лишился счастья и покоя.

Он долго брел песками в Лиссаделле
И в грезах видел, как он заживет,
Добыв себе богатство и почет,
Пока в могиле кости не истлели;
Но из случайной лужицы червяк
Пропел ему болотной серой глоткой,
Что где-то вдалеке на воле сладкой
От звонкого веселья пляшет всяк
Под золотом и серебром небесным;
Когда же вдруг наступит тишина,
В плодах лучатся солнце и луна.

Он понял, что мечтал о бесполезном.

Он думал у колодца в Сканавине,
Что ярость сердца на глумливый свет
Войдет в молву окрест на много лет,
Когда потонет плоть в земной пучине;
Но тут сорняк пропел ему о том,
Что станет с избранным его народом
Над ветхою волной, под небосводом,
Где золото разъято серебром
И тьма окутывает мир победно;
Пропел ему о том, какая ночь
Влюбленным может навсегда помочь.
И гнев его рассеялся бесследно.

Он спал под дымной кручей в Лугнаголле;
Казалось бы, теперь, в юдоли сна,
Когда земля взяла свое сполна,
Он мог забыть о бесприютной доле.
Но разве черви перестанут выть,
Вокруг костей его сплетая кольца,
Что Бог на небо возлагает пальцы,
Чтоб ласковым сиянием обвить
Танцоров над бездумною волною?
К чему мечты, пока Господень пыл
Счастливую любовь не опалил?
Он и в могиле не обрел покоя.

Известный поэт Алджернон Суинберн (англ. Algernon Swinburne) , прославившийся смелыми экспериментами в стихосложении, к тому же был драматургом и литературным критиком. Первую драму «Королева-мать» (англ. The Queen Mother and Rosamond), написанную в 1860 году, Суинберн посвятил Россетти, с которым его связывали дружеские отношения. Однако, хотя Суинберн и декларировал свою приверженность принципам прерафаэлизма, он безусловно выходит за пределы этого направления.

Издательская деятельность

В 1890 году Уильям Моррис организовал издательство «Кельмскотт-пресс» (Kelmscott Press), в котором вместе с Бёрн-Джонсом напечатал несколько книг. Это период называют кульминацией жизни Уильяма Морриса. Опираясь на традиции средневековых переписчиков, Моррис, также как и английский график Уильям Блейк, попытался найти единый стиль оформления страницы книги, ее титульного листа и переплета. Лучшим изданием Морриса стали «Кентерберийские рассказы» Джефри Чосера (англ. The Works of Geoffrey Chaucer); поля украшены вьющимися растениями, текст оживляют заставки-миниатюры и орнаментированные заглавные буквы. Как писал Дункан Робинсон,

Современному читателю, привыкшему к простым и функциональным шрифтам XX века, издания «Кельмскотт-пресс» кажутся роскошными порождениями Викторианской эпохи. Богатый орнамент, узоры в виде листьев, иллюстрации по дереву — всё это становится важнейшими образцами декоративного искусства XIX века; всё сделано руками человека, внесшего больший вклад в эту область, чем кто-либо другой.

Данте Габриэль Россетти. Баллады и эпические поэмы (Dante Gabriel Rossetti. Ballads and narrative poems). — L.: Кельмскотт-пресс, 1893. Издание Уильяма Морриса

Моррис оформил все 66 книг, выпущенных издательством, а Бёрн-Джонс исполнил большинство иллюстраций. Издательство просуществовало до 1898 года и оказало сильное влияние на многих иллюстраторов конца XIX века, в частности, на Обри Бердслея.

Эстетическое движение

В конце 50-х годов, когда пути Рёскина и прерафаэлитов расходятся, возникает необходимость в новых эстетических идеях и новых теоретиках, формирующих эти идеи. Таким теоретиком стал историк искусства и литературный критик Уолтер Патер (англ. Walter Horatio Pater). Уолтер Патер полагал, что главное в искусстве — непосредственность индивидуального восприятия, поэтому искусство должно культивировать каждый момент переживания жизни: «Искусство не дает нам ничего, кроме осознания высшей ценности каждого уходящего момента и сохранения всех их». В значительной мере через Патера идеи «искусства для искусства», почерпнутые от Теофиля Готье, Шарля Бодлера, трансформируются в концепцию эстетизма (англ. Aesthetic movement), которая получает распространение в кругу английских художников и поэтов: Уистлера, Суинберна, Россети, Уайльда. Оскар Уайльд также оказал сильное влияние на развитие эстетического движения (в том числе на позднее творчество Россетти), будучи лично знакомым и с Холманом Хантом, и с Бёрн-Джонсом. Он, как и многие его сверстники, зачитывался книгами Патера и Рёскина, и эстетизм Уайльда во многом вырос из прерафаэлитизма, который нес в себе заряд острой критики современного общества с позиций красоты. Оскар Уайльд писал, что «эстетика — выше критики», что считает искусство высшей реальностью, а жизнь — разновидностью вымысла: «Я пишу потому, что писать для меня — высшее артистическое удовольствие. Если мое творчество нравится немногим избранным, я этому рад. Если нет, я не огорчаюсь». Прерафаэлиты также увлекались поэзией Китса и целиком приняли его эстетическую формулу которого о том, что «красота есть единственная истина».

Сюжеты

У. Х. Хант - Проснувшаяся стыдливость, 1853

Поначалу прерафаэлиты предпочитали евангельские сюжеты, причём избегали в живописи церковного характера и трактовали Евангелие символически, придавая особое значение не исторической верности изображаемых евангельских эпизодов, а их внутреннему философскому смыслу. Так, например, в «Светоче мира» Ханта в виде Спасителя с ярким светильником в руках изображён таинственный божественный свет веры, стремящийся проникнуть в закрытые человеческие сердца, как Христос стучится в дверь человеческого жилища.

У. Х. Хант - Светоч мира, 1854

Прерафаэлиты привлекают внимание к теме общественного неравенства в Викторианскую эпоху, эмиграции (творчество Мэдокса Брауна, Артура Хьюза), приниженного положения женщины (Россетти), Холман Хант даже затронул тему проституции в своей картине «Проснувшаяся стыдливость» (англ. The Awakening Conscience, 1853 г.). На картине мы видим падшую женщину, которая вдруг поняла, что грешит, и, забыв о своем любовнике, освобождается из его объятий, как будто услышав какой-то зов через открытое окно. Мужчина не понимает её духовных порывов и продолжает игру на фортепиано. Здесь прерафаэлиты не были первопроходцами, их предвосхитил Ричард Редгрейв со своей знаменитой картиной «Гувернантка» (1844).

Р. Редгрейв - Гувернантка, 1844

И позже, в 40-ые годы, Редгрейв создал много подобных произведений, посвященных эксплуатации женщин.

Д. Г. Россетти - Прозерпина, 1874

Прерафаэлиты занимались и историческими темами, добиваясь величайшей точности в изображении фактических подробностей; обращались к произведениям классической поэзии и литературы, к творчеству Данте Алигьери, Уильяма Шекспира, Джона Китса. Они идеализировали Средневековье, любили средневековую романтику и мистику.

Женские образы

Прерафаэлиты создали в изобразительном искусстве новый тип женской красоты — отрешенный, спокойный, таинственный, который позже разовьют художники стиля модерн. Женщина на полотнах прерафаэлитов — средневековый образ идеальной красоты и женственности, ей восхищаются и поклоняются. Особенно это заметно у Россетти, которого восхищали красота и загадочность, а также у Артура Хьюза, Милле, Бёрн-Джонса. Мистическая, губительная красота, la femme fatale позже нашла выражение у Уильяма Уотерхауса. В этом плане знаковой можно назвать картину «Леди из Шалотта» (1888), до сих пор остающаяся одним из самых популярных экспонатов галереи Тейт. Она основана на поэме Альфреда Теннисона. Многие живописцы (Холман Хант, Россетти) иллюстрировали произведения Теннисона, в частности, «Леди Шалотт». История повествует о девушке, которая должна оставаться в башне, находясь в изоляции от окружающего мира, и в тот самый момент, когда решается на побег, она подписывает себе смертный приговор.

У. Уотерхаус - Леди из Шалотта, 1888

Образ трагической любви был притягателен для прерафаэлитов и их последователей: в конце XIX—начале XX века на тему «Леди Шалотт» было создано более пятидесяти картин, а название поэмы превратилось во фразеологизм. Прерафаэлитов привлекали, в частности, такие темы, как душевная чистота и трагическая любовь, безответная любовь, недостижимая девушка, женщина, погибающая ради любви, отмеченная позором или проклятьем, а также мертвая женщина необыкновенной красоты.

У. Уотерхаус - Офелия, 1894

Была пересмотрена викторианская концепция женственности. Например, в «Офелии» Артура Хьюза или серии картин «Прошлое и настоящее» (англ. Past and Present, 1837—1860) Огастаса Эгга, женщина показана как человек, способный испытывать сексуальное желание и страсть, зачастую приводящую к безвременной кончине. Огастас Эгг создал серию работ, где показано, как разрушается семейный очаг после того, как открылась супружеская неверность матери. На первой картине женщина лежит на полу, уткнув лицо в ковер, в позе совершенного отчаяния, а браслеты на ее руках напоминают наручники. Данте Габриэль Россетти использует фигуру Прозерпины из древнегреческой и римской мифологии: молодая женщина, украденная Плутоном в подземное царство и отчаянно мечтающая вернуться на землю. Она ест лишь несколько гранатовых семечек, но достаточно маленького кусочка пищи, чтобы человек навеки остался в подземном мире. Прозерпина Россетти — не просто красивая женщина с задумчивым взглядом. Она очень женственна и чувственна, а гранат в её руках — символ страстей и соблазна, которому она поддалась.

У. Уотерхаус - "Меня преследуют тени", - сказала Леди из Шалотта, 1911

Одна из главных тем в творчестве прерафаэлитов — соблазнённая женщина, разрушенная безответной любовью, преданная возлюбленным, жертва трагической любви. В большинстве картин явно или неявно присутствует мужчина, ответственный за падение женщины. Как пример можно привести «Проснувшуюся стыдливость» Ханта или картину Милле «Мариана».

Д.Э. Милле - Мариана, 1851

Аналогичная тематика прослеживается и в поэзии: в «Защите Гиневры» (англ. The Defence of Guenevere) Уильяма Морриса, в стихотворении Кристины Росcетти «Быстрая любовь» (англ. Light Love, 1856), в поэме Россетти «Дженни» (1870), где показана падшая женщина, проститутка, которая совершенно не обеспокоена своим положением и даже наслаждается сексуальной свободой.

Пейзаж

У. Х. Хант - Английские берега, 1852

Холман Хант, Милле, Мэдокс Браун разрабатывали пейзаж. Определенной известностью также пользовались живописцы Уильям Дайс, Томас Сэддон, Джон Бретт. Пейзажисты этой школы известны в особенности изображением облаков, унаследованным ими от знаменитого предшественника, Уильяма Тёрнера. Пейзаж старались выписывать с максимальной достоверностью. Хант так выразил свои мысли: «Я хочу рисовать пейзаж,.. изображая каждую деталь, какую смогу увидеть». А о картине Милле «Осенние листья» Рёскин говорил: «Впервые сумерки изображены настолько совершенно».

Д.Э. Милле - Осенние листья, 1856

Живописцы делали скрупулезные этюды тонов с натуры, воспроизводя их насколько возможно ярко и отчетливо. Эта микроскопическая работа требовала огромного терпения и труда, в своих письмах или дневниках прерафаэлиты жаловались на необходимость часами стоять под жарким солнцем, дождем, ветром, чтобы нарисовать, порой, очень небольшой отрезок картины. По этим причинам, прерафаэлитский пейзаж не получил широкого распространения, а затем ему на смену пришел импрессионизм.

Образ жизни

Прерафаэлитизм — это культурный стиль, проникший в жизнь своих создателей и в какой-то мере определявший эту жизнь. Прерафаэлиты жили в созданной ими обстановке и сделали такую обстановку чрезвычайно модной. Как отмечает Андреа Роуз в своей книге, в конце XIX века «верность природе уступает верности имиджу. Имидж становится узнаваемым и поэтому вполне готовым для рынка».

Уильям Моррис - Королева Джиневра, 1858

Американский писатель Генри Джеймс в письме, датированном мартом 1969 года, рассказывал сестре Алисе о своем визите к Моррисам.

«Вчерашний день, дорогая моя сестра, — пишет Джеймс, — был для меня своего рода апофеозом, поскольку я провел большую часть этого дня в доме г-на У. Морриса, поэта. Моррис живет в том же самом доме, где открыл свой магазин, в Блумсбери… Видишь ли, поэзия для Морриса является второстепенным занятием. Прежде всего, он производитель витражей, фаянсовой плитки, средневековых гобеленов и церковного шитья, — в общем, всего прерафаэлитского, старинного, необычного и, должен добавить, бесподобного. Конечно, всё это делается в скромных масштабах и может производиться в домашней обстановке. Вещи, которые он делает, необыкновенно изящны, драгоценны и дороги (они превосходят по цене предметы самой большой роскоши), а потому что его фабрика не может иметь слишком большого значения. Но все, что он сотворил, восхитительно и превосходно... ему также помогают его жена и маленькие дочери».

Далее Генри Джеймс описывает жену Уильяма Морриса, Джейн Моррис (в девичестве Джейн Бёрден), которая позднее стала возлюбленной и моделью Россетти и которую постоянно можно встретить на картинах этого живописца:

«О, моя дорогая, что это за женщина! Она прекрасна во всем. Представь себе высокую, худощавую женщину, в длинном платье из ткани цвета приглушенного пурпура, из натуральной материи до последнего шнурка, с копной вьющихся черных волос, ниспадающих крупными волнами по вискам, маленькое и бледное лицо, большие темные лаза, глубокие и совсем суинберновские, с густыми черными изогнутыми бровями... Высокая открытая шея в жемчугах, и в итоге — само совершенство. На стене висел ее портрет почти в натуральную величину кисти Россетти, настолько странный и нереальный, что если бы вы его видели, то приняли бы за болезненное видение, но необыкновенной похожести и верности чертам. После обеда… Моррис прочитал нам одну из своих неизданных поэм... а его жена, страдая от зубной боли, отдыхала на софе, с платком у лица. Мне казалось, что было что-то фантастичное и удаленное от нашей настоящей жизни в этой сцене: Моррис, читающий плавным античным размером легенду о чудесах и ужасах (это была история Беллерофонта), вокруг нас живописная подержанная мебель квартиры (каждый предмет — образчик чего-либо), и, в углу, эта сумрачная женщина, молчаливая и средневековая со своей средневековой зубной болью».

Прерафаэлитов окружали женщины разного социального статуса, возлюбленные, модели. Одна журналистка пишет о них так: «...женщины без кринолинов, с развевающимися волосами... необычные, как горячечный сон, в котором медленно движутся великолепные и фантастические образы».

Данте Габриэль Россетти жил в изысканной и богемной атмосфере, и его эксцентричный образ сам по себе стал частью прерафаэлитской легенды: у Россетти жили самые разные люди, включая поэта Алджернона Суинберна, писателя Джорджа Мередита. Модели сменяли одна другую, некоторые из них становились любовницами Россетти, особенно известна вульгарная и скупая Фанни Корнфорт. Дом Россетти был полон антиквариата, старинной мебели, китайского фарфора и других безделушек, которые тот скупал в лавках старьевщиков. В саду водились совы, вомбаты, кенгуру, попугаи, павлины, одно время там даже жил бык, чьи глаза напоминали Россетти глаза его возлюбленной Джейн Моррис.

Значение прерафаэлитизма

Прерафаэлитизм как художественное направление широко известен и популярен в Великобритании. Его также называют первым британским течением, достигшим мировой славы, однако, среди исследователей значение оценивается по-разному: от революции в искусстве до чистого новаторства в технике живописи. Существует мнение, что движение начиналось с попытки обновления живописи, а имело в дальнейшем большое влияние на развитие литературы и всей английской культуры в целом. Согласно Литературной энциклопедии, в виду своего утонченного аристократизма, ретроспектизма и созерцательности их творчество мало воздействовало на широкие массы.

Несмотря на кажущуюся обращенность в прошлое, прерафаэлиты содействовали утверждению стиля модерн в изобразительном искусстве, более того, их считают предшественниками символистов, порой даже отождествляя тех и других. Например, что выставка «Символизм в Европе», перемещавшаяся с ноября 1975 по июль 1976 года из Роттердама через Брюссель и Баден-Баден в Париж, приняла за исходную дату 1848 год — год основания Братства. Поэзия прерафаэлитов оставила след на французских символистах Верлене и Малларме, а живопись — на таких художниках, как Обри Бердслей, Уотерхаус, и менее известных, как Эдвард Хьюз или Кальдерон. Некоторые даже отмечают влияние прерафаэлитской живописи на английских хиппи, а Бёрн-Джонса — на молодого Толкина. Что интересно, в юности Толкин, вместе с друзьями организовавший полутайное общество «Чайный клуб», сравнивал их с прерафаэлитским братством.

Д.Э. Милле - Черный брауншвейгский гусар, 1860

Д. Г. Россетти - Beata Beatrix, 1864-1870

Д. Г. Россетти - Благовещение, 1850

У.Уотрехаус - Гилиас и Нимфы, 1896

У.Х. Хант - Нахождение Спасителя во Храме, 1860

У.Х. Хант - Наёмный пастух, 1851

В 1856 году художник и бывший лидер движения прерафаэлитов Данте Габриэль Россетти взял в ученики двух молодых людей Эдварда Берн-Джонса и Уильяма Морриса, которые поддержали идеи своего учителя. Эротизм, стилизация форм, культ красоты - все эти черты они пытались воплотить в своих работах.
Но если движение прерафаэлитов первой волны ставило целью борьбу с академической живописью, то второе поколение стремилось возродить прикладное искусство и боролось с безликостью промышленной продукции.
Большую роль в возрождении художественных ремесел сыграл, конечно Уильям Моррис (1834-1896) - издатель, поэт и дизайнер. Уильям родился в семье, в которой история была главным увлечением и неудивительно, что его с детства интересовали романы Вальтера Скотта, старинные аббатства и соборы. Первоначально Моррис собирался посвятить свою жизнь богословию и изучал теологию в Эксетер-колледже. Там же он познакомился с Эдвардом Берн-Джонсом. Молодых людей связала любовь к Средневековью и искусству и они оставили колледж ради изучения готической архитектуры.
Они совершили поездку во Францию, где осмотрели готические храмы и соборы, но по возвращении в Лондон направление их творческой деятельности резко изменилось - причиной всему знакомство с Данте Габриэлем Россетти. Берн-Джонс, не имевший почти никакого художественного образования, поступил ассистентом и учеником в мастерскую художника. Так было положено начало его художественной деятельности.
Моррис же создал всего одну картину, на которой изобразил свою возлюбленную Джейн Берден в образе королевы Гвиневер (эта картина известна также под названием "Прекрасная Изольда").

Считается, что Моррис остался крайне недоволен результатом и посчитал, что ему не удалось изобразить ни красоту модели, ни чувства, которые он к ней испытывал.
Тем не менее, Моррису удалось себя реализовать в других видах искусства, среди которых - поэзия, проза и декоративно-прикладное искусство.

В 1860 году был достроен знаменитый Рэд Хаус - красный дом в Бекслихите. Многие прерафаэлиты, в том числе Россетти со своей подругой и моделью Элизабет Сиддал, приняли участие в отделке дома. Пожалуй, успех Рэд хауса был обусловлен тем, что в нем соединилось стремление к идеализму первого поколения и стремление к функционализму второго. Моррис, однако, не в полной мере был доволен достигнутым успехом. Ему действительно удалось создать желаемую обстановку, одновременно функциональную и эстетически приятную, но лишь в рамках одного дома. Это привело к тому, что викторианские дома стали наполняться однообразными предметами быта, напоминающими бутафорию.

Моррис вскоре решил придать своему делу новый размах и создал фирму «Моррис, Маршалл и Фолкнер, художественные работы по живописи, резьбе, мебели и металлу».Немалую роль сыграли и две Всемирные Выставки – своего рода символы стремительной индустриализации, проводившиеся в Лондоне, в 1851 и 1862 г. Несомненным был триумф прогресса – на выставке были представлены многочисленные приспособления, облегчающие, либо заменяющие тяжелую ручную работу. Но, как ни странно, их изобретение ни привело к более тонкой проработке деталей на предметах декоративно-прикладного искусства, а, напротив, к созданию массы вычурных изделий. Всему виной не столько техническая революция, сколько вкусы викторианской аристократии: все предметы создавались в духе модной во времена королевы Виктории эклектики и считалось, что красивая вещь – это вещь роскошная, декорированная настолько, что трудно было понять ее назначение.
С появлением фабрик и заводов в обиход вошли вещи промышленного производства. Особенно популярна стала имитация того или иного материала, например на выставке 1851 г. были представлены серебряные изделия, которым была придана выгнутая форма, как если бы они были сделаны из фарфора.
Это не значит, что участники движения искусств и ремесел намеренно избегали применения технических новшеств - они использовали машиы только в тех случаях, когда изделию требовалась тонкая и аккуратная проработка, которой невозможно было добиться вручную (например при создании металлических изделий и фурнитуры).
Идеалом для Морриса и его единомышленников был образ средневекового ремесленника, который соединял в себе роли технолога, конструктора и художника. Именно благодаря соединению физического и интеллектуального труда средневековый мастер становился творцом: изделие получалось простым, но, в то же время, не выглядело чрезмерно сухим. Мастерские Морриса, естественно, не могли быть простой копией ремесленных гильдий эпохи готики: в большинстве случаев приходилось разделять функции дизайнера и художника: сначала художник создавал чертеж или набросок, после чего дизайнеры подбирали технологии и материалы

В условиях стремительно растущих и меняющих свой облик городов, некогда процветающие ремесла либо пришли в упадок, либо совсем исчезли. Моррису, а затем и участникам движения «Искусства и ремесла», возникшего в 1888 г., пришлось совершить поездки по всей Великобритании, чтобы узнать секреты старинных ремесел и обучиться различным навыкам. Иногда он даже устраивал на работу в свои мастерские народных умельцев, чтобы те могли передать опыт ручного труда. В случае если основы того или иного ремесла были утеряны, Моррис прибегал к экспериментам и пытался создать его заново.Главной целью фирмы и движения «искусства и ремесла» было не только возрождение ручного труда, но и воспитание хорошего вкуса у представителей всех социальных слоев. Как упоминалось выше, в аристократических и зажиточных кругах популярной была эклектика, зачастую доходившая до вульгарности и господствовавшая во всем: от предметов быта до мебели и обоев. Даже Оскар Уайлд в одном из своих выступлений говорил, что человек выросший в подобном жилище и вставший на преступную стезю, вправе быть оправданным судом.

Люди скромного достатка попросту не могли себе позволить покупать красивые вещи и были вынуждены приобретать товары массового производства – они были гораздо дешевле. Потому первоначально планировалось выпускать высокохудожественные изделия по доступной цене, так чтобы их покупку могли себе позволить люди любого достатка. Тем не менее, довольно скоро Моррис осознал, что изделия ручной работы во много раз дороже массового товара. Автоматизировать труд в своих мастерских, равно как и пренебречь качеством материалов означало бы для дизайнера поступиться своими идеалами. В итоге Моррис пришел к выводу что преобразование эстетической стороны жизни требует и преобразований общества.По мнению Морриса обезличенные товары, произведенные по одному образцу приводят к угасанию вкуса и деградации людей, которые эти товары производят и которые их потребляют. Создание же предметов, не только комфортных, но и приятных для созерцания, может изменить жизненный уклад к лучшему и улучшить качество жизни и потребителей и создателей. Работа производителей, по мнению Морриса, мучительна и невыносима, поскольку они лишены возможности творчества.
Деятельность Морриса и его сторонников дали толчок появлению разнообразных обществ и гильдий в духе средневековья, со своим стилем и специализацией. Возрождение ремесел получило широкий размах в 1880-е гг.: в 1878 г. реорганизованная фирма «Моррис и Ко» открыла мастерскую по производству ковров и гобеленов, тремя годами позже были оборудованы мастерские по производству витражей, красильня, печатное производство. В 1883 г. Были основаны гильдии за пределами Лондона, в США и Австралии
Участниками движения «искусств и ремесел» были художники, дизайнеры, архитекторы, потому специализация общества была разнообразна от мебели до вышивок и украшений. Произведения отличала простота форм ибо лаконичная конструкция актуальна во все времена

а также растительные и анималистические узоры. Моррис и его сторонники считали, что природная форма придает предмету неустаревающую художественную ценность. Интересно также, что они вдохновлялись сельской флорой и фауной, изображая полевые цветы и лесных животных в противовес благородным розам и львам.Сюжеты, изображенные на витражах, обоях, коврах, хотя и кажутся замысловатыми благодаря множеству мелких тщательно проработанных деталей, тем не менее, остаются понятными широким массам.

Движение «Искусства и Ремесла» и компания Уильяма Морриса фактически возродили гобелен и вернули ему статус важной части домашнего интерьера, которое тканые ковры занимали в Средние века.
Искусству средневековой вышивки и ткачества Моррис учился у Джорджа Эдмунда Стрита и уже в 1879 г. совместно с Берн-Джонсом приступил к созданию серии гобеленов, посвященных античной мифологии.

Первым была создана «Флора» - гобелен, посвященный весне и изображающий римскую богиню цветения. Она изображена стоящей босиком в одеждах, сочетающих в себе черты как античного и средневекового костюма. Поскольку древние римляне называли Флору Матерью Цветов, потому Моррис и Берн-Джонс представили богиню в венке из трав, держащую в руках цветы, которые в то же время объединяют главное изображение – фигуру Флоры - и фоновое изображение. На заднем плане изображен растительный мотив, в котором преобладают густые листья аканта. Фон оживляют изображенные среди растений животные и экзотические птицы. Вероятно, художников на создание гобелена вдохновила декоративная техника «миллефьори», популярная в течение XVI в.
Нельзя также не упомянуть о технике создания гобелена, которой пользовались участники «Искусств и Ремесел». «Флора» была создана ткачами Уильямом Кнадом, Уильямом Слитом и Джоном Мартином по картонам Берн-Джонса. Первоначально были созданы монохромные эскизы, в которых были изображены только основные детали. Затем создавалось полноразмерное цветное изображение, в которое добавлялись второстепенные детали. Для придания эффекта блеска в процессе ткачества соединяли шерстяные и шелковые нити, окрашенные натуральными красителями.
Интересно, что в обществе искусств и ремесел высоко ценились не только профессиональные работы, но и любительские. Большая роль отводилась произведениям созданным женщинами, ведь именно они – главные потребители и оформители домашнего очага.
Одной из важных фигур была младшая дочь Морриса – Мэй, с 1885 г. возглавлявшая отдел вышивки. Во многих исследованиях ее талант часто остается в тени имени отца – одной из ключевых фигур прерафаэлитизма второго поколения.
Тем не менее, именно Мэй Моррис сыграла большую роль в воскрешении искусства т. н. «вышивания в свободной форме», или свободной глади (художественной глади). В конце XIX в. появились вышивальщицы с ярким индивидуальным стилем, создававшие свои работы не по схемам из альбомов по рукоделию, а по собственным эскизам.

Процесс заключался в нанесении на ткань контура рисунка, который затем заполнялся стежками в виде тонких штрихов. Чередование длинных и коротких стежков как нельзя лучше имитировало светотень и передавало фактуру изображаемых объектов. Представители движения «Искусства и ремесла» полагали, что свободная вышивка, в отличие от счетной наилучшим образом способствует самовыражению ее создателя. В вышивании использовалась шелковая нить, окрашенная натуральными красителями, таким образом, воссозданная техника резко контрастировала с популярной в 19 веке берлинской шерстяной вышивкой.
Кроме того Мэй Моррис принимала активное участие в работе Королевской школы художественного вышивания, открытой в 1872 г. под покровительством принцессы Елены, третьей дочери королевы Виктории. Первоначально в ней обучались 20 человек, но вскоре количество учениц выросло до 150. Женщины, обучавшиеся в этой школе, осваивали различные техники и работали в королевской мастерской, создавая работы для важных событий, связанных с королевской семьей, а также для соборов и храмов.
Возникнув в Лондоне, движение за возрождение ручного труда вскоре распространилось далеко за пределы Великобритании, в том числе в Россию и даже в Японию
Многие идеи заложенные движением «Искусства и Ремесла» легли в основу появившегося на рубеже XX вв. стиля модерн – рукотворность, камерность, простота в сочетании с декоративностью. Моррис предложил несколько аспектов, являющихся актуальными и по сей день, – в первую очередь возвращение к ручному производству вещей, которое, является уникальным, авторским. Фирма Моррис и Ко, просуществовавшая вплоть до начала Второй Мировой Войны переживает на данный момент возрождение – вновь пользуются популярностью изделия созданные в «английском стиле» по рисункам Уильяма Морриса и его единомышленников. А по примеру викторианских мастерских и гильдий создаются новые организации, стремящиеся возродить традиции прерафаэлитизма в декоративно-прикладном искусстве

Линли Самбурн, Карикатура на Оскара Уайльда, журнал "Панч", том 80, 1881 год
O, I feel just as happy as a bright sunflower!
Aesthete of Aesthetes!
What"s in a name?
The poet is WILDE,
But his poetry"s tame.

Движение Эстетизма - термин, описывающий движение 1870х и 1880х гг., проявившееся в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве и архитектуре Великобритании и позднее США. Являясь реакцией на то, что казалось ханжеским в искусстве и дизайне, Движение характеризовалось культом прекрасного и подчеркиванием чистого удовольствия, которое оно доставляет. В живописи существовало представление об автономности искусства, а также концепция «искусства ради искусства», зародившаяся во Франции в литературе и привезенная в Британию в 1860 е гг.

Движение Эстетизма защищали писатели и критики Уолтер Патер, Алжернон Чарльз Суинберн и Оскар Уайльд. Придерживаясь теории Патера, художники, связанные с Движением, писали бессюжетные или же лишенные значимого сюжета картины. Данте Габриэль Россетти черпал вдохновение в венецианском искусстве из-за его акцента на цвет и декоративные качества картины. Результатом его поисков стали несколько поясных изображений женских фигур, таких, как «Голубой Будуар» (1865, Институт Изящных искусств Барбера).

Д. Уистлер «Принцесса из страны фарфора»

Стены под изысканными перегородками Джекилла были покрыты испанской кожей, которую Уистлер расписал золотом по голубому фону мотивами павлиньего глаза и павлиньих перьев в 1877 году; напротив своей картины, висящей над камином, он изобразил двух павлинов с роскошным оперением. В камине стоит пара кованых железных fire-dogs, которые Джекилл сделал в виде подсолнухов с павлинами. Подсолнух был характерным мотивом Движения Эстетизма, появляясь на изразцах Уильяма де Моргана, вышивках К. Эшби, мебельном ситце и обоях Брюса Талберта и на расписанном фасаде часов (1880, Лондон, музей Виктории и Альберта), созданных, возможно, по эскизу Льюиса Формана Дэя.

Часы, предположительно по эскизу Л.Ф. Дэя(1880, Лондон, музей Виктории и Альберта)

Уильям де Морган, керамическая плитка

Общей чертой для «художественной» мебели, керамики, художественной ковки и тканей «Движения Эстетизма» и Стиля Королевы Анны в архитектуре, столь любимого Годвином и Ричардом Норманом Шоу, стало стремление их создателей (проявляющееся в изощренности проектов) поднять статус своих произведений до статуса произведений изобразительного искусства. Они создавали «художественные» предметы интерьера и здания. Они одновременно реформировали и формировали вкус – что было важной заботой Уильяма Морриса, взгляды которого хотя и расходились с философией Движения Эстетизма, но помогли распространить ее влияние на США. К 1870 году обои Морриса продавались в Бостоне, а двумя годами позже книга Чарльза Лока Истлейка “Hints on Household Taste” вышла в американском издании.
<....>

1.1. Движение искусств и ремесел и формирование концепции дизайнерской деятельности / 1.2. Художественно-эстетические ценности стиля модерн в рекламном плакате Франции и Великобритании / 1.3. Концепция проектирования детской книги как целостного организма / 1.4. Русские балетные сезоны в Париже: концепция синтеза искусств / 1.5. Сатирическая журнальная графика и зарождение жанра социального плаката

Движение искусств и ремесел и формирование концепции дизайнерской деятельности

Формирование концепции дизайна как профессионально-творческой деятельности началось в эпоху предмодерна в Великобритании. Широкое распространение и воздействие эстетики романтизма на общественное сознание привело к тому, что в этой стране вторая половина XIX в. была ознаменована появлением крупных социально-эстетических движений, которые объединяли художников, архитекторов, писателей, дизайнеров, ремесленников, обеспокоенных тем, что в результате несовершенства технологических процессов в сфере промышленного производства визуальнопредметный мир человека все больше наполнялся уродливыми формами. Наиболее крупными из них были Движение искусств и ремесел (Arts and Crafts Movement), возглавляемое У. Моррисом, и Эстетическое движение (Aesthetic Movement), основоположниками которого были К. Дрессер и О. Джонс.

В основе идеологии этих движений лежали идеи Дж. Рескина о необходимости привнести искусство в повседневную жизнь человека. Он утверждал, что «с математической точностью, не допускающей никаких уклонений и никаких исключений, искусство страны, какое бы оно ни было, служит критерием ее этического состояния». По его мнению, «хороший вкус есть существенно нравственное качество... Вкус не только часть или признак нравственного достоинства, это единственная нравственность. Скажи мне, что ты любишь, и я тебе скажу, что ты такое» .

По мысли Рескина, искусство следует понимать как синтез природы, красоты и нравственности. Эта формула вполне перело-жима и для дизайна, который синтезирует функциональное (восходящее к Природе), художественно-эстетическое (восходящее к Красоте) и социальное (восходящее к Добру) начала проектирования. Именно совокупность этих аспектов дизайна делает его средством эстетического преобразования жизни.

Главной заслугой и достижением У. Морриса и английского движения искусств и ремесел в целом нужно считать укоренение в общественном сознании мысли о том, что создание благородной визуально-предметной среды способно облагородить нравы общества и стать эффективным средством мирного, а не революционного его преобразования на основе социальной справедливости.

Идеалом культурной эпохи для романтиков была не античность, а национальное средневековье, эпоха готики. Идея синтеза искусств, заложенная в основе художественно-эстетического решения готического собора, станет ключевой для дизайна как вида профессионально-творческой деятельности. Принцип целостного художественно-эстетического решения готического храма будет привнесен первыми английскими дизайнерами в проектирование повседневной среды человека - от визуально-графического решения книги до дизайна «английского дома» в целом.

Одним из первых У. Моррис обратил внимание на тот факт, что производство не только удовлетворяет существующие потребности, но и формирует новые. Производство художественно несовершенной визуально-предметной среды не только наполняло мир уродливыми формами, но и формировало тип эстетически невежественных потребителей. Эстетическая ценность объекта дизайна отождествлялась У. Моррисом, с одной стороны, с качеством изделия, а с другой - с ремесленной технологией. Именно эти принципы легли в основу его дизайнерской деятельности.

Впервые на практике У. Моррис смог реализовать свои идеи в 1860 г., когда получил заказ спроектировать Красный Дом (Red House) в южном Лондоне. Работа по проектированию мебели, обоев, гобеленов, витражей в средневековом духе увлекает его настолько, что он создает фирму «Моррис, Маршалл, Фокнер и К°» (1861), которая стала прообразом дизайнерской организации. Очень быстро продукция компании, занимавшейся обработкой цветного стекла, дизайном витражей, вышивкой по ткани, обоями, мебелью, ткачеством, стала пользоваться высоким спросом. В производство было внедрено свыше 600 проектов У. Морриса, которые воплощались мастерами-ремесленниками, приглашенными со всей Англии.

Стилевые особенности дизайна У. Морриса определяются эстетикой романтизма - в принтах для обоев и ковров преобладают растительные и анималистические мотивы. Растительные мотивы могли представлять собой упорядоченные раппорты (как в случае со знаменитыми моррисовскими артишоками) или выполнялись в непринужденной естественной манере (обои «Фрукты»), часто композиция строилась по принципу характерной для растительного мира симметрии масс (гобелен «Дятел»).

При создании графических принтов У. Моррис применял средневековые приемы построения композиции с помощью ромбической сетки и диагональной ветви, при этом его растительные орнаменты для тканей, ковров, обоев, кажущиеся естественными, на самом деле продуманы в мельчайших деталях. В работах У. Морриса «всегда чувствуется свежесть и непосредственность, удивительное ощущение естественного роста и изобилия природы,- наверное, от страстной любви Морриса к природе в соединении с редко встречающимся орнаментальным даром» .

Качество и художественный уровень изделий его фирмы оказались настолько высокими, что моментально превратили производимые мебель, ковры, предметы быта в предметы роскоши. На их производство уходило много времени, а материалы часто оказывались слишком дорогими. Тщательная работа над изделием требовала приложения огромного количества трудовых затрат. На практике идеи Морриса, мечтавшего создавать доступные широким слоям населения качественные и красивые предметы домашнего обихода, обернулись своей противоположностью.

Очень важной частью творчества У. Морриса стала издательская деятельность. Несовершенство полиграфических технологий и резко возросший в XIX в. спрос на полиграфическую продукцию

привели к тому, что, несмотря на иллюстрирование и оформление хорошими художниками, книга потеряла свою гармоническую целостность. Иллюстрации часто выглядели инородными в книжном блоке, отсутствовала гармонизация элементов наборной полосы - размеров, пропорций, шрифтов.

Рис. 1.1.

Рис. 1.2.

Проблему создания книги как целостного произведения искусства, все элементы которого взаимосвязаны, первыми осознали прерафаэлиты. Они разрабатывали приемы набора и верстки, обеспечивающие гармонию изображений, шрифтов, книжной орнаментики.

Видную роль в возрождении искусства книги сыграл У. Моррис. Его интерес к книге как объекту дизайна впервые проявился еще в 1856 г., когда он выполнил на пергаменте три рукописных подарочных экземпляра поэмы «Золотая долина» (Story of the Glittering Plain).

В 1890 г. в имении Хаммерсмит Моррис основал типографию «Келмскотт Пресс». Его кредо издательской деятельности сформулировано в статье «Заметки о моих намерениях при основании Kelmscott Press» (1898), в которой цель издательского предприятия

^THIS IS THE PICTURE OP THE OLD HOUSE BY THE THAMES TO WHICH THB PEOPLE OF THIS STORY WENT. P HEREAFTER FOLLOWS THE BOOK IT. SELF WHICH IS CALLED NEWS FROM NOWHERE OR AN EPOCH OF REST & IS WRITTEN BY WILLIAM MORRIS/?/?

Рис. 1.3.

У. Морриса «Вести ниоткуда». 1893 Начальный лист издания «Сочинения

Джеффри Чосера». 1894

была обозначена как «создание таких книг, которые в качестве произведений печати и благодаря облику наборной полосы представляли бы собой нечто такое, что могло бы доставить радость при созерцании» . У. Моррис считал, что в первую очередь надо обращать внимание на следующие элементы издания: бумагу (он использовал бумагу ручной выделки), форму букв, определение интервалов между литерами, отдельными словами и строками и расположение текста на развороте в целом.

В типографии Морриса были отлиты новые антиквенные и готические шрифты: Kelmscott Golden, 1890 - версия классической гарнитуры венецианского типографа XV в. Н. Иенсона, отличающаяся более жирным начертанием; Troy, 1891 - 1892 - основанная на готическом шрифте Г. Цайнера, книгопечатника из Аугсбурга, и А. Кобергера, книгопечатника из Нюрнберга (оба известны как издатели инкунабул); Chaucer, 1892-12-пунктовая версия «Трои».

За период работы издательства (1891 - 1897) были выпущены 53 книги. Тираж каждого издания был около 400 экземпляров. Первой книгой, выпущенной в Kelmscott Press, был роман самого Морриса «История сверкающей долины». Шедевром Морриса стали «Сочинения Джеффри Чосера», известного средневекового писателя, автора «Кентерберийских рассказов». Книга была напечатана в большом формате, прекрасно орнаментирована и иллюстрирована гравюрами Э. Берн-Джонса. Было напечатано 425 экземпляров на бумаге и 13 на пергаменте .

Эстетическое движение в отличие от Движения искусств и ремесел имело своим девизом выражение «искусство ради искусства» и утверждало приоритет эстетических ценностей перед этическими и социальными проблемами. Помимо средневекового синтеза искусств эстетическое движение в значительной степени было ориентировано на использование мотивов китайской и японской графики, абстрактные геометрические формы японского прикладного искусства.

Самой крупной фигурой в Эстетическом движении был Кристофер Дрессер (1834-1904), который начинал свою карьеру, исследуя взаимодействие естественных форм и орнамента. В 1862 г. Дрессер, открыв свою студию в Кенсингтоне в Лондоне, начал работать как независимый дизайнер. В этом же году были опубликованы его первые книги по дизайну - «Искусство декоративного оформления» и «Развитие орнаментального искусства».

К. Дрессер считал, что хороший дизайн должен быть доступен каждому члену общества вне зависимости от социального статуса, поэтому необходимо проектировать изделия для массового производства, так как только в этом случае они могут быть коммерчески жизнеспособными. Идею «искусство для каждого» разделяли и члены Движения искусств и ремесел и Эстетического движения, но оба движения негативно относились к массовому производству, тогда как К. Дрессер положительно оценивал перспективы современной промышленности.

Принты обоев и текстиля, созданные Дрессером, значительно отличались от тех, что выпускались в то время массовым производством. Он использовал самые различные источники творческого вдохновения, применяя имитацию различных материалов - мрамора, деревянной облицовки, драпировки из тканей. Жестковатые по своей структуре орнаментальные композиции Дрессера представляли собой стилизацию растительных, цветочных или геометрических мотивов, заимствованных из китайского, японского, египетского, греческого, аравийского и мавританского искусства. Для текстиля и обоев, созданных Дрессером, характерна приглушенная цветовая гамма, которую дизайнер считал единственно приемлемой в интерьере.

К. Дрессер создавал дизайн для крупнейших художественнопромышленных компаний, входящих в Art Manufacturers. Дизайнер сотрудничал с более чем 50 предприятиями, в том числе со знаменитой фирмой Wedgwood, производящей фарфор.

Свои работы К. Дрессер подписывал словами: Designed by Dr С Dresser, предвосхитив, таким образом, появление брендинга. Изделия с его именем стали символом «хорошего дизайна». Совершенное им в 1876-1877 гг. по поручению музея Королевы Виктории и Принца Альберта путешествие по Японии для пополнения музейной коллекции привело к тому, что Дрессер практически отказался от использования орнамента в дизайне металлических чайников и предметов сервировки стола, делая акцент на материале и форме, предугадав, таким образом, стилевые предпочтения дизайна на несколько десятилетий.

В целом декоративизм английских романтиков воплощал идеи бурного роста и изобилия природы, при этом сформировалось четкое неприятие украшательства ради него самого. Деятельность представителей Движения искусств и ремесел и Эстетического движения привела к тому, что уже в эпоху зарождения графического дизайна во второй половине XIX в. были сформированы универсальные принципы дизайнерской деятельности: проектирование на основе синтеза всех видов искусств и ремесел; утверждение идеи доступности красоты вне зависимости от социального статуса; проектирование на основе решения социальных проблем общества; целостный подход к объекту проектирования.

• Рескин Дж. Искусство и действительность. М. : Типо-лит. т-ва «Кушнерев и К0», 1900. С. 5.
• Некрасова Е. Л. Романтизм в английском искусстве. М.: Искусство, 1975. С. 203.
• Моррис У. Заметка о моих намерениях при основании Kelmscott Press // Книгопечатание как искусство. М., 1984. С. 88.
• См.: Некрасова Е. А. Указ. соч. С. 215.